MPOU: Qual a influência que o “shoegaze” exerce nas músicas da banda?
Nick Smith: Nenhum gênero específico influencia a banda, mas existem grandes bandas que admiramos que foram chamadas de “shoegaze”. Eu acho que as guitarras de muitas bandas do início dos anos 90 foram mais interessantes do que qualquer outro período da história do rock. Especialmente quando você ouve à essas músicas “frescas” dos últimos dez anos.
Vinte anos atrás os guitarrista estavam levando as coisas muito mais além da guitarra tradicional. Os “efeitos” eram realmente a extensão da guitarra, como se estivesse acompanhando toda aquela onda dos sintetizadores, só que com cordas. Eles não tocavam melodia e letra, mas sim, um verdadeiro “som”.

MPOU: De onde vem a paixão da banda pela música?
Nick Smith: Eu acho que vem de nós mesmos, nós quatro. Também à cada segundo que escutamos o tanto de merda que está tocando pelas rádios afora, a nossa paixão pela música ressucita a cada segundo, tentando mudar isso.

Você pode conferir a entrevista na integra aqui (recomendo muito que faça isso).

–

* Como muitos andam percebendo o blog anda meio parado, isso se deve a minha falta de tempo, sigam o blog no twitter através de http://twitter.com/istoemusica que, por enquanto, este será o meio em que o blog se comunicará com seus leitores (e parceiros) mais frequentemente. Abraços.

**Mandem seus posts pela página http://istoemusica.bigmontz.com/mande-seu-conteudo/, seu crédito será reconhecido e você terá a gratidão do pobre blogueiro sem tempo.

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Exit Calm é uma banda de Barnsley (Inglaterra) criada em 2006 após o fim da banda Lyca Sleep (banda da qual 3 membros do Exit Calm faziam parte) por Nicky Smith (Vocal), Rob Marshall (Guitarrra), Scott Pemberton (Bateria) e Simon Lindley (Baixo). A banda tem sido muito comparada ao The Verve por conta principalmente das semelhanças entre as características os guitarristas das bandas, Rob Marshall e Nick McCabe (The Verve), e também por ambas serem bandas com uma pegada shoegazer.

Além de The Verve, bandas como My Bloody Valentine e Ride serviram de influência para o som da banda, é notável a influência shoegazer do final dos 80′s/inicio dos 90′s. Todas esta referência à aquela cena fica bastante evidente no primeiro álbum da banda, o auto-intitulado Exit Calm (2010). O álbum mostra toda aquela sensação de fluidez que o Verve apresentava em suas primeiras gravações somado ao barulho meio suavizado de My Blood Valentine.

Todo este fluxo musical e barulho criam uma atmosfera em que músicas com mais de 5 minutos se emendam em outras igualmente longas em sequências não radiofônicas, mas muito agradáveis. Músicas como Hearts & Minds (com sua pegada forte misturada com a psicodelia das guitarras de Rob Marshall), Don’t Look Down (bonita, introspectiva, viajante, são todos adjetivos que poderiam ser usados para definir esta música) e We’re On Our Own (música muito característica da banda, com suas explosões e viagens) são pérolas de um grande álbum de estréia.

Porém, o álbum não vive de destaques pontuais e cresce a cada audição graças a qualidade de músicas como Reference, Serenity e Atone que passam uma tranquilidade incrível contrastando com o barulho o álbum te leva a o ouvir em sequência. Talvez o Exit Calm possa ser um dos melhores álbuns de estréia dos últimos anos por conta da maturidade da banda ao grava-lo e por possuir grandes músicas, talvez a banda possa se tornar uma das maiores da Inglaterra. O mundo das possibilidades estão abertos para o Exit Calm e eles devem aproveitar bem.

Para saber mais: MySpace da banda e Site da banda.

Leitura recomendada: Post No MPOU

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Matéria feita pela Melody Maker em 1992 (e transcrita pelo Slidet), onde Richard Ashcroft do ainda Verve fala sobre as primeiras gravações, as bandas indies inglesas do inicio dos anos 90, voar, etc. Divirtam-se.

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Estrelas cadentes

Verve é a maior banda que já entrevistei em minha vida. O vocabulário deles é inacreditável. O magnetismo deles é insuportável. Este é o futuro. E isso não sou eu que falo. Sumir para o bar para uma rodada de bebidas durante uma entrevista e não é incomum para uma banda soltar o botão de pausa no gravador e deixar pequenas mensagens para a edificação do jornalista quando ele vem transcrever a entrevista. Normalmente estas mensagens não são grande coisa – apenas alguns ruídos: “Oi! Acorde, Melody Maker filho da puta!“, esse tipo de coisa. Porém, Richard do Verve aproveitou a oportunidade para pensar grande. Esta era a mensagem dele.

Talvez fosse uma paródia do tipo de hipérbole obstinada com que Verve foi adornado desde a sua estréia com o EP ALL IN THE MIND. Talvez fosse uma lembrança para o jornalista não se entregar em excessiva perseguição por adjetivos, fazer reivindicações exageradas para a jovem banda, criar expectativas impossíveis que eles não poderão cumprir. Mais provavelmente, ele quis dizer isto. Ou algo assim. Verve não está numa conversa pequena ou ego-depreciação. Verve vive para Verve, para se expandir, superar, exceder, não por dinheiro ou deslumbramento mas para a causa gloriosa de ser.

Então, como eles se medem? Bem, não estou certo se Verve é a maior banda que já entrevistei em minha vida – afinal de contas, eu entrevistei Crowded House uma vez. O vocabulário deles é acreditável – eles são tão grandes quanto dizem que são. O magnetismo deles é suportável. E eles são o futuro. O futuro imediato, pelo menos.

Verve é o próximo retiro dialético na estrada do rock para nenhum lugar em particular. Como o Suede, eles funcionam em parte como uma reação à cena de bandas de 1991. “Talvez Suede e outras bandas como nós viram estas bandas e só pensaram, ‘Jesus Cristo, cara! Você não está expressando nada! Eu poderia ter um público melhor do que você pode’.”

Não era como Ride, Slowdive, etc., era inanimado ou desprezível, só que eles eram muito recatados, muito ansiosos para não distrair a atenção do seu espetáculo com algum ruído de embrulho de doce. Horrorizado por demagogos muito intrusos como Bono ou prevenido de políticos como Billy Bragg, eles conceberam rock como um banho sensual no qual você ficou perdido, encantado, irradiado, não como um banho no chuveiro. Estava bem – mas a modéstia louvável deles, o desejo desconfiado deles para não impor… Estas pessoas eram muito tímidas.

Que é onde o Verve entra. Eles criaram uma fascinante dupla de som – escute a propósito (WANNA KNOW WANNA BE WANNA) FEEL, o lado B do novo single – SHE’S A SUPERSTAR- corta lentamente de um lado de sua cabeça para o outro – mas eles não dissolvem naquele som. Eles arranjaram o truque de ser dramático sem ser auto-conscientemente intrometido ou afeminado. Em resumo, eles têm o Richard.

Sem Richard, Verve ainda teria uma superlativa guitar band – eles são um grande acordo mais do que somente um veículo das obsessões vertiginosas dele. O guitarrista Nick McCabe, o baixista Simon Jones e o baterista Peter Salisbury alcançaram um estado extraordinário de fluxo musical que a maioria das bandas nunca alcança. Mas é a presença de Richard que os faz verdadeiramente especiais. O modo com que ele vive na música, é enaltecido, imponente, atirado e voltado para isto, arremessado junto e rasgado separadamente por isto, traz um espetáculo existencial que, francamente, como o Ride é incapaz de proporcionar.

Sentado do lado de fora do pub Holborn hoje, o traje ligeiramente desprezível de Richard é compensado por uma gravata daquelas que parecem feitas com um pedaço de cortina rasgada. Posa em volta do seu pescoço como um adorno ou um laço. Ele se parece com não sei o que – poeta vagabundo, um dândi psicopata, um trapo alegre e homem osso… isso não importa. Ele é alguém. Ele é algo.

Verve emergiu de lugar nenhum. De Wigan. Casa de Martin Offiah, o cassino e incontáveis pavimentos de pedras. Talvez isso fosse uma vantagem, eu sugiro. Richard, vertiginoso por tomar muito vinho, fala direito no gravador com um tremor nervoso, ardente, tendo certeza de toda palavra incluída.

Richard Ashcroft: Isso é verdade, se você é de Londres, você tem pessoas vindo te ver e lhe escrevendo desde muito cedo, considerando que nós tivemos anos que… Eu estive em bandas desde que tinha 17 anos. Nós tivemos anos para estar prontos. E só quando estávamos prontos fizemos um show em Londres. Tocamos em um show em Londres e fomos contratados.
Essa é a essência desta banda, criando algo do nada. Tentando ser alguém de lugar nenhum. Eu aprendi cedo. Meu pai morreu quando eu era realmente jovem. Ele trabalhou das nove às cinco toda a sua vida, e sofreu e não esteve em parte alguma. E eu tinha 11 anos na ocasião e imediatamente percebi que esta não era a vida para mim. Imediatamente descobri como alguém pode morrer tão depressa apenas sendo exterminado. Então eu pensei: ‘Foda-se, vou fazer algo positivo, posso fazer algo positivo, posso fazer algo grande, vou fazer algo de mim’.
Eu quero ser alguém, ou alguém que é respeitado ou alguém que é odiado. De qualquer modo. Nós tocamos em Norwich e este sujeito veio e disse: ‘Posso lhe contar algo?’, então eu disse: ‘Sim, claro’, e ele disse: ‘Eu acho que você é um ‘cock’. E pensei: ‘Nossa! Eu tinha comovido este cara’. Melhor que dizer: ‘Eu acho que o show foi bom’.

Conhecer verdadeiramente o Verve é vê-los ao vivo. Os conhecer um pouco melhor é ouvir o segundo singles deles, SHE’S A SUPERSTAR. ALL IN THE MIND era adorável mas poderia ter sido um erro, não mais do que uma mera confecção auricular com um perfume agradavelmente melancólico. SUPERSTAR e especialmente o verso, os 10 minutos épicos, FEEL, os mostra no seu máximo – soprando estado dramático de diminuição de retorno logo antes do coro – sem samplers ou pequenas caixas negras de truques, eles desenvolveram um som orgânico, dinâmico, translúcido, que perfeitamente molda e acomoda em Richard as trocas sutis e voláteis mudanças de humor. Escorre, jorra em volta novamente, mudando de cor como a vontade e o momento os leva. Este som desvanece sua cabeça.

Richard: O segundo EP é mais íntimo, para nos fazer soar como ao vivo, um som maior, uma sensação maior. Obviamente, quando gravamos o primeiro EP, éramos ingênuos sobre como tirar o melhor de um estúdio – somente entramos lá, tocamos e era isso. Estávamos felizes na ocasião mas depois de duas ou três semanas nós estávamos pensando: ‘Cristo, poderíamos ter feito muito melhor do que isto’.

Um tendência forte de murmurar e conversar à parte ao longo da entrevista sugere que o Verve estivesse sob pressão para estreitar o seu som, assinar com singles de três minutos. Agradecidamente, eles resistiram. Outras bandas quebraram as barreiras dos três minutos e recentemente derramaram por milhas e milhas o grande efeito. Porém, Verve tem alcançado um groove que soa como se eles pudessem continuar para sempre, um som rock que é perfeitamente natural, não “luxuoso” mas tão essencial quanto respirar.

Ao vivo, eles desaceleram completamente o seu material para um movimento petrificado, lento e enfatizaram sua própria beleza, saboreando sua própria essência. Pense em todas essas bandas que esmurram freneticamente em galope até o final da canção, para que as notas vagabundas não sejam expostas ou o bar feche ou percebam num momento exposto a tolice existencial de seu frenetismo forçado.

Richard acena com a cabeça vigorosamente. “É isso mesmo. Quando estamos no estúdio, quando tocamos uma faixa, tocamos por 15, 20 minutos, mas nenhum de vocês pode, você tem que colocar uma faixa de quatro minutos.”

“Não é uma odisséia de jazz, ou outra coisa”, explica o guitarrista Nick, por via de qualificação. “Não é sobre solos longos, só uma continuação do fluxo.”

Até agora você provavelmente só terá percebido até onde o Verve quer estar afastado de seus compatriotas indie, com quem eles são forçados a esfregar ombros nas paradas e listas.

Richard: Nós não pegamos nossas influências das bandas do último ano, bandas como o Wonder Stuff. Nós escutamos as realmente grandes bandas, as bandas que realmente estavam fazendo algo. Esse é o problema com um monte de bandas, elas são condicionadas a escutar as paradas indie dos últimos dois anos. Eu não me interesso por nada disso. Não quero que a gente seja uma banda ‘indie’ na parada ‘indie’. Não colocamos nossos discos entre os Kingmakers e Thousand Yard Stares desse mundo, nós os colocamos tão alto quanto eles podem ir. Eu quero que a gente seja uma banda mundial na parada mundial. Não queremos nos encaixar. Verve nunca deveria estar em categorias.

É toda aquela conversa pequena que os ofende, o inconseqüentemente encardido, os low profiles, o desejo frenético de satisfazer o público para preencher a imagem tão medíocre e despretensiosa e desrespeitosa como imaginam que eles sejam, em vez de lhes dar algo que atirar. Richard é um grande conhaque em um mundo de pequenas cervejas. Verve não se desculpa por estar “lá em cima”.

Richard: Aquela atitude que o The Stone Roses tentaram apagar. Eu não quero garotos comprando nossos discos e pensando que poderiam fazer igual. Eu quero que eles pensem: ‘Eu realmente amaria poder fazer algo assim, mas sei que nunca poderia, porque é tão especial. É único’.

Verve está determinado que prefeririam morrer antes de sua carreira estar estabilizada.

Richard: Tudo o que fazemos é natural, nunca fomos empurrados para nada. Obviamente, sofreremos pressão de gravadoras para fazer certas coisas, mas nunca faremos. Eu gostei de bandas anteriormente e você pode ver imediatamente quando elas foram pressionadas a fazer algo pela gravadora ou pela imprensa, e isso fede. Até onde estou envolvido, se pelo segundo ou terceiro single o Verve estiver sendo pressionado por homens de ternos, o Verve irá falir e somente iremos e faremos nossa própria coisa. Porque não precisamos disto. A razão pela qual estou em uma banda é me expressar e ser diferente. Se houver um momento em que sentir que algum foda de um homem de negócios gordo está interferindo no que estamos fazendo, nós desistiremos porque eu poderia muito bem estar trabalhando em um chão de fábrica. Grandes bandas sempre se formaram somente para se satisfazer. Fazemos isso para nós mesmos, sempre fizemos. E contanto que eu esteja satisfeito, nós progrediremos, faremos melhores shows, gravaremos melhores discos.

Nick McCabe: Esta banda é totalmente egoísta, egocêntrica e auto-indulgente e isso é exatamente o modo como deveria ser.

Conhecer Verve, como já disse, é vê-los ao vivo. Eles são uma banda do momento, presos à emocionante emoção da ocasião. Eles poderiam reduzir toda a velocidade para cinco milhas por hora, poderiam sair fora depois de duas canções. Coisas acontecem, humores balançam, tudo colore a música. Eu lembro de vê-los uma noite e assistir um homem com aparência respeitável, um camarada ligeiramente calvo com um terno e um par bastante pronunciado de óculos, empunhando um guarda-chuva. Lentamente, a música o envolveu. Lentamente, ele foi atraído em direção à beira do palco. Então, através da massa de corpos eu o notei, tragado violentamente, fascinado, como se na agonia de um exorcismo. Minutos depois ele emergiu, sangrando ligeiramente, sorrindo com felicidade, sem os seus óculos. Verve é uma banda que pega você. Verve é uma banda que o faz perder seus óculos.

“Quando nós tocamos ao vivo, eu tenho um milhão de pensamentos que nadam por minha mente”, se entusiasma Richard, quando eu lhe pergunto pelo o que ele passa lá em cima. “E às vezes as pessoas mencionam Damon do Blur como uma comparação e isso realmente me chateia. Trivializa meus sentimentos. Porque quando tocamos, sinto como se estivesse voando. Eu sou obcecado com voar. E quando tocamos ao vivo, é a coisa mais próxima de estar decolado desta terra.”

Isto é uma confirmação de sua dança, atualmente meio levitando, um salto petulante de cima abaixo, fazendo como um moinho de vento, agora olhando congelado de temor para a parte de trás da sala como se tivesse uma premonição terrível.

Richard: A maioria dos meus sonhos são sobre voar, sobre partir para lugares. Eu acredito que daqui a alguns anos poderei voar.

Ahn?
Richard: Eu honestamente acredito nisso. Através da meditação. Eu tenho um padrasto que está meditando seriamente e me disse sobre estar elevando a temperatura em um quarto ou virando varas na água somente pela força de sua mente. Coisas como essa me influenciam muito. Eu estava preso em Wigan sem trabalho mas minha mente estava à centenas de milhas de distância no céu e no mar. É tudo escapismo, sobre estar em outro lugar.
Os 40 minutos que estou dando para tocar ao vivo é um puta de um escape. Você tem uma semana de vida em Wigan onde você é um ninguém, pode caminhar na rua e ninguém o conhece. Mas por 40 minutos eu posso ser alguém, expressar todos  meus medos, o que for. E é pra isso que eu vivo, esses 40 minutos. Por três semanas, eu não sou nada, fico assistindo a televisão num merda de um apartamento em cima de uma farmácia. Mas no palco, lá eu sou alguém. E há 400 pessoas, 200 pessoas, 40 pessoas, procurando algo de você.
A única coisa que me preocupa sobre Verve é que viajando mataremos isto, a sede por tocar não estará lá. Porque quando temos um show dali a três semanas, eu penso nisso todas as noites e visualizo como vai ser e realmente fico excitado. E estou preocupado que tocar repetidamente estragará isso. É difícil com algo que é tão livre e desobrigado… idealmente, eu gostaria de tocar uma vez a cada três semanas.
Nós nunca premeditamos um concerto – como bandas que praticam um set durante seis meses antes de uma excursão. É tão calmo e sombrio, não há nenhum espaço para movimento. Eles tocam por três noites seguidas o mesmo set. Espontaneidade é a coisa. Se você vê uma banda tocar algo que nunca nem mesmo entrou na cabeça deles antes do show, você é erguido por isto, você se sente parte disto, que eles estão respondendo para você, estão se erguendo com você. Não é sempre bom. Quando tocamos em Norwich, dirigimos durante seis horas para chegar lá. E havia só 15 ou 20 pessoas em pé na frente. Então só tocamos duas canções, depois saímos. Pode parecer como uma coisa egoísta, mas qual é o ponto? Qual é a finalidade de enganar estas pessoas pretendendo que Verve é o tipo de banda que somente passa as idéias? Não estava acontecendo, e depois explicamos isso às pessoas e elas entenderam.

O desejo de Richard em estar numa banda assumiu o seu desejo de ser um jogador, um desejo nascido naquela hora, momento de revelação na sua vida quando o seu pai morreu. Ele quis ser Pelé, George Best – mas se manteve a seis passos largos da marca do pênalti. Ele preferia ter sido jogador do que estar na banda?

Richard: Eu não me importaria em ser aquele sujeito que marca o gol decisivo no final da Copa, mas sei que quando chegar segunda-feira ele estará às sete horas da manhã correndo em volta de um campo. Considerando que posso vir para Londres, fazer um show, ter um magnífico grande momento e então não ter que levantar antes das duas horas do dia seguinte. Porque é disso que esta banda se trata, fazer o que você quiser fazer, praticar quando quiser praticar. E é isso o que os garotos querem ler sobre suas bandas favoritas, não sobre todas as coisas que estão sendo forçados a fazer, pressão das gravadoras, mas que estão tendo uma puta diversão. Afinal de contas (acrescenta Richard com um jeito comovente), eles estão pagando sua diversão, então o mínimo que você pode fazer é devolver a eles.

É o dever deles. Cumpra o seu. Ouça o Verve enquanto você pode. Amanhã pode ser tarde demais – você poderá estar morto. Aproveite-os agora.

–

Fonte: http://www.slidet.com/verve/melodym01.htm

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Wigan, Inglaterra – 1989

Nessa pacata cidade inglesa o Verve teve seu início (sem o The mesmo, que só apareceu em 1994, devido a problemas com a gravadora de jazz Verve Records), mais precisamente na Winstanley Sixth Form College, onde 4 garotos se conheciam para formar uma das mais turbulentas bandas da história. Esses garotos se chamavam Richard Ashcroft, Nick McCabe, Simon Jones e Peter Salisbury, que se uniram por seu gostos em comum por bandas como Pink Floyd, The Beatles, The Raspberries, Funkadelic e Krautrock, além de, claro, usarem todos os tipos de drogas alucinógenas que encontrassem pela frente.

Cena Indie inglesa – 1991-1992

A banda começou a chamar atenção no na cena underground inglesa em 1991, Richard Ashcroft era um monstro no palco, magrelo como só ele é, cantava com a alma, rolava pelo chão do palco, influenciado tanto pelas drogas quanto pela guitarra do genial Nick McCabe (inclusive essas atitudes renderam um apelido ao Ashcroft: Mad Richard), que tirava todo o ruído que conseguia de sua guitarra, dando ao Verve uma sonoridade única, na qual se sentia forte influencia do shoegazer, do rock psicodélico e do space rock.

Devido ao sucesso no mundo alternativo, a banda fechou contrato com a Hut Records em 1991, e em 1992 vieram os primeiros singles, todos alcançaram facilmente o topo da parada indie britânica, e os fizeram ganhar uma legião de seguidores, porque algo mágico acontecia com esses 4 garotos de Wigan. Os primeiros singles são All In The Mind (que conta com a fabulosa A Man Called Sun, talvez o maior clássico dos primórdios da banda), She’s A Superstar e Gravity Grave, tendo She’s A Superstar entrado no posto 66 das paradas britânicas, o que foi uma vitória para a banda. Em Dezembro de 1992 é lançado o The Verve EP, que é uma compilação das músicas desses 3 primeiros singles.

Em 1992, a banda ainda realizou alguns shows nos Estados Unidos, aonde foi muito bem recebida pela cena local.

Era “A Storm In Heaven” – 1993-1994

Devido ao grande sucesso de seus primeiros singles, na cena alternativa, todos esperavam ansiosamente pelo disco de estréia do Verve, eles recrutaram para o trabalho o produtor John Leckie (que já trabalhou com bandas como The Stone Roses e Radiohead). O album se chamaria A Storm In Heaven, e foi lançado em 1993, o primeiro single, da música Blue, que não consegue liderar nas paradas indies, atingindo a 2ª posição.

O A Storm In Heaven não conseguiu um grande sucesso de público, chegando apenas a 27ª posição das paradas britânicas, mas a crítica foi muito positiva com o album, que foi bastante elogiado, assim como a banda e suas performances. O album seguiu o mesmo caminho dos primeiros singles, apesar de não ter a mesma liberdade musical, já que Leckie era um tanto quanto durão, as guitarras de Nick McCabe continuaram a ser ruidosas, criando um som único, que muitos não sabiam como rotular, e muitos consideravam o som da banda como uma nova espécie de psicodelia, já que apesar da forte pegada de shoegazing, não se encaixaria perfeitamente no estilo.

Em 1994 lançam o EP No Come Down, que nada mais é que uma compilação dos singles lançados até então com uma versão ao vivo de Gravity Grave no Glastonbury de 1993, esse é o primeiro lançamento como The Verve.

Em 1994 eles são convidados para tocar no Lollapalooza, um dia antes do show a banda teve um dia conturbado, Ashcroft bebeu demais e precisou ser internado por desidatração, Salisbury quase foi preso ao quebrar o quarto de hotel, Jones e McCabe se metem em uma confusão no apartamento de um cara chamado Eddie, Simon sai assim que percebe a confusão e Eddie tranca o Nick dentro do apartamento, mas tudo termina bem. No dia seguinte eles tocam no Lollapalooza, Richard ainda devia estar de cama, as marcas de soro são visíveis no em seus braços e ele mal consegue se mover por isso, apesar de todos os problemas, a banda fez um grande show no festival. Isso era comum nas turnês da banda naquela época.

Apesar das confusões, os shows eram sensacionais, nas turnê americana de 1994 a banda atraia vários seguidores, eram dias épicos, regados a drogas e álcool, no qual o público viajava através da música da banda, muitos cruzavam estados para poder acompanhar de perto essa banda que os levava para outra atmosfera, muitos inclusive tratavam a banda como Religião, e Richard como um guru espiritual.

A carreira da banda estava apenas começando.

Na próxima semana falaremos sobre o período entre A Northern Soul e Urban Hymns.

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100º post do Isto é  Música, uma marca importante próxima a  marca um ano de blog (dia 21 de abril). Para comemorar este post faremos duas listas de reprodução, uma feita por Montanha (bigmontz) e outra feita por João Paulo (jp), cada uma adotando critérios diferentes para escolhas.

Lista do Montanha

A lista a seguir é composta por algumas da minhas músicas favoritas, nem todas as minhas favoritas estão na lista pois não caberiam em 15 música, mas creio que esta lista mostre bem o que costumo ouvir. Vamos a lista.

1. Fuckin’ In The Bushes – Oasis: Não da para dizer que esta música seja a minha favorita do Oasis ou que esteja de fato entre as minhas 50 músicas favoritas, porém ela é a melhor música para começar uma lista, ainda mais a atual.
2. Underdog – Kasabian: Além de ser uma boa sequência para a primeira música, “Underdog” é a minha música favorita do último álbum do Kasabian, álbum este que achei o melhor do ano passado.
3. You’ve Got The Love – Florence and The Machine: Música do álbum de estréia da Florence que além de casar muito bem na sequência da lista, é uma das minha favoritas do álbum.
4. The Morning Bell/Amnesiac – Radiohead: Uma das músicas mais bacanas do Amnesiac e não poderia faltar Radiohead nesta lista, dai ‘Morning Bell’ se encaixou bem na lista.
5. Virginia Moon – Foo Fighters: Uma quebra na sequência eletrônica da lista, entra a jazzistica música dos Foo Fighters acompanhados de Norah Jones no backin’ vocal e dois coelhos mortos numa paulada só.
6. Samba a Dois – Los Hermanos: Aproveitando a quebra para colocar o ‘samba’ do Los Hermanos, uma excelente conexão de rock, mpb e samba.
7. Sem Compromisso/Deixe a Menina – Chico Buarque: Ta bom, são duas músicas, mas a ligação entre as duas tanto em melodia quanto na letra é fantástica e elas na pratica são uma só. Falando em letra, é uma das que mais me identifico e curto.
8. The Butterfly Collector – The Jam: Falando nisso, “The Butterfly Collector” foi uma das músicas que mais ouvi no ultimo ano, talvez seja pelo mesmo motivo da música anterior.
9. You Really Got Me – The Kinks: Uma das minha músicas favoritas dos Kinks e casa muito bem para esta seqüência ’mod’.
10. Substitute – The Who: Uma das músicas que mais gosto do The Who, me sinto muito bem ouvindo ela e por isso ela esta aqui.
11. Rise or Fall – Black Rebel Motorcycle Club: Esta banda se tornou uma das minhas favoritas recentemente (de um ano para cá)  e esta música tem muito a ver com isso.
12. Brainy – The National: Música excelente de um álbum igualmente bom, eu conheci esta música num momento em que a letra da mesma (principalmente o refrão, “You might need me more than you think you will”)  se encaixava perfeitamente com o momento que vivia e até hoje esta música é uma das minha favoritas.
13. Tonta – Anna Luisa: Música protagonista do primeiro post do “Isto é Música Apresenta” onde a cantora Anna Luisa foi apresentada a quem não conhecia, a música esta aqui tanto por estar na história do blog quanto por ser uma das que mais ouvi nos últimos 12 meses.
14. Johnny B. Goode – Chuck Berry: É só a música mais conhecida do cara que inventou esta tal de rock’n'roll, dispensa maiores comentários.
15. I Want You – The Beatles: Umas das minhas músicas favoritas de um dos meu álbuns favoritos e sempre que ouço acompanho os gritos de “SHE’S SO HEAVY!”.

Evidente que faltaram muitas música e muitas bandas/artistas a esta lista, mas creio que ela ficou bem representativa e mostra um pouco das facetas do meu gosto musical.

Lista do João Paulo

Bem, fazer uma lista com as melhores músicas é sempre uma tarefa difícil, então eu apenas coloquei no papel as que mais gosto e vieram na cabeça no momento, até porque, se fosse por gosto, se tornaria uma lista repetitiva, e elas não estão em ordem, estão de acordo com o que vieram em minha mente. E as 15 músicas são:

1. The Logical Song – Supertramp: Para mim é a música que melhor define o que é a vida, a letra é genial e a melodia encantadora.
2. You’re So Great – Blur: A música que define meu último pós-relacionamento, ela fala meio o que aconteceu comigo, e nenhuma consegue definir isso melhor.
3. I Will Survive – Cake: O cover mais divertido da história, fizeram o classico da discoteca virar um rockzinho puta decente, ficou sensacional.
4. Life’s Just a Game – Stanley Clarke: Talvez seja uma das melhores composições da história, essa música fecha o disco School Days do Stanley, que todo baixista deveria ouvir. Ela tem uma melodia gostosa pra caramba.
5. Meet Me In The Bathroom – The Strokes: Porque tem o baixo mais legal do Strokes, além de eu gostar muito da letra, para mim a melhor da banda.
6. Jigsaw Puzzle – The Rolling Stones: A melhor, do melhor disco dos Stones, precisa dizer mais?
7. Acquiesce – Oasis: A música que mais define Oasis em minha opinião, é simplesmente sem sensacional, a melodia, os riffs, a voz do Liam, o Backin do Noel, a letra, e como eles mudaram minha vida, fica aqui a homenagem.
8. See You In The Next One (Have a Good Time) – The Verve: Sensacional, melodia linda, e a letra que mais me identifico, do The Verve. Simplesmente perfeita, a melhor da lista.
9. Here Today – Paul McCartney: A minha favorita da carreira solo do Paul, é uma música que me leva as lágrimas, sempre, poís se trata de uma homenagem puta sincera ao Lennon, e tem uma letra e uma melodia indescritíveis quanto ao cunho sentimental.
10. This Fire – Franz Ferdinand: THIS FIRE IS OUT OF CONTROL, I’M GOING TO BURN THIS CITY, BUUUURN THIS CIIITY! FRAN FUCKIN FERDINAND! Essa música me anima pra caralho.
11. Love You – Syd Barrett: Syd Barrett é um dos maiores genios da história da música para mim, pena que se perdeu nas drogas, mas essa música é sensacional, de uma simplicidade ímpar, acho fofa pra caralho.
12. Shine On You Crazy Diamond – Pink Floyd: Excelente música, feita em homenagem ao grande Syd Barrett, uma letra fantástica e faz lembrar de alguém que nunca deveria ter sido esquecido.
13. Sentimental – Los Hermanos: A melhor letra e a melhor melodia da melhor banda brasileira da história, fora que ninguém é mais sentimental que eu.
14. Warning – Green Day: “Warning: Live without warning!” É o melhor aviso que já recebi na vida, vindo de um disco fantástico, cheio de referências a The Kinks e The who, e marca a mudança do Green Day.
15. In My Life – The Beatles: A música que é o resumo da vida de qualquer um, acho que é uma música que torna tudo nostálgico, para qualquer um que a tenha escutado, ela é simplesmente perfeita.

Com certeza faltou algumas músicas, é muito difícil fazer uma lista assim, essa lista reflete minha opinião de momento, é basicamente isso.

Considerações Finais

Este foi o 100º post do IEM, vocês são aguardados para o post 200 e esperem que no mês haverá uma série especial para a comemoração de 1 ano de blog.

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Último post da série sobre os anos 90, desta vez faremos um resumo da década em 10 músicas que merecem destaque por motivos bem variados. Alguns critérios foram usados para confecção desta lista, os critérios foram:

• Nenhuma músicas dos álbuns que ganharam posts nesta série foram consideradas;
• Nenhuma banda colocaria mais de uma música na lista;
• A lista conterá uma música por ano;
• Os fatores considerados na hora de escolher uma música em detrimento das outras foram qualidade musical, destaque que o single alcançou, representatividade, etc;
• Nem sempre todos os critérios da lista anterior se aplica a todas as músicas.

Dito isto, vamos a lista em ordem de reprodução e suas justificativas.

1. This Is Music – The Verve (1995):
   Porque é uma música que resume bem o que é música, e tudo o que ela pode fazer por ti. Por mais que não tenha sido a mais conhecida ou aclamada da época, é quase um ode a musica para quem a escuta. Além de dar nome ao blog.
2. A Design for Life – Manic Street Preachers (1996):
   Entre polêmicas, desaparecimento de integrante e ideais políticos/econômicos, o Manic Street Preachers se tornou uma banda mítica e suas músicas ganharam uma aura especial. “A Design for Life” é uma delas.
3. Nothing Compares 2 U – Sinéad O’Connor (1990):
   Porque talvez seja a melhor música de fossa da história, e virou clássica, impossível não chorar ao ouvi-la depois de um pé na bunda.
4. Scar Tissue – Red Hot Chilli Peppers (1999):
   Depois do contestado One Hot Minute, os peppers voltam a ativa, com Frusciante de volta a guitarra e faz o fantástico Californication, essa música virou hit e é impossível não se sentir em uma praia ao ouvi-la, ainda mais se você vive em uma cidade praiana.
5. Losing My Religion – R.E.M. (1991):
   O R.E.M. só precisou de um bandolim para fazer um dos maiores clássicos da história e entrar definitivamente para o hall da fama da música, uma bela letra de amor sobre alguém que está perdendo a humanidade por querer demais uma pessoa.
6. Mr. Jones – Counting Crows (1993):
   Sha-lala-lalala-la, quem nunca cantarolou Mr. Jones que atire a primeira pedra, contra a própria cabeça, pois é sem dúvidas uma das músicas que chegou mais perto da perfeição pop no rock. E quem não tem um momento nostálgico com ela?
7. Everlong – Foo Fighters (1997):
   O ex-baterista de uma das maiores bandas da década monta uma banda, faz uns clipes engraçados e ninguém mais lembra de que banda ele foi. Foi com Everlong que o Foo Fighters começou a conquistar sua independência.
8. Say It Ain’t So – Weezer (1994):
   Os nerds mais queridos do rock mundial não poderia faltar aqui, nada tinha mais o sangue adolescente que Weezer nos anos 90.
9. Song 2 – Blur (1998):
   WOOOOOOOOOOO-HOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO! Todo mundo gosta desse backin vocal, e lembra o saudoso Fifa 98 e tem vontade de se jogar na parede, pular ou fazer alguma estripolia.
10. One – U2 (1992):
    Clássico instantâneo do  U2, música que até hoje a banda procura a refazer em outras, mas até hoje não conseguiu, vai ver que é porque ela é unica.

A década de 90 foi uma década bem produtiva para a música e por muitos isto não é tão reconhecido, o grunge, o britpop, o pop punk, etc fizeram esta década valer a pena. Esta década viu:

• A revolução do underground do grunge;
• O U2 se consolidar como um grande banda;
• O BritPop dominar as paradas britânicas e um dos maiores shows da história, Oasis no Knebworth Park em 1996;
• Os filhos do grunge e do britpop brotarem, Silverchair e Stereophonics não me deixam mentir;
• O New Metal aparecer;
• A música eletrônica de The Chemichal Brothers e Fatboy Slim;
• O Radiohead fazendo história;
• O Hip Hop se mostrando como tendência de música pop dominante;
• As boybands atingirem o máximo de popularidade que eles poderiam alcançar;
• As ultimas grandes bandas dos tempos pré internet.

A década de 90 foi importante para consolidar coisas que já vinha sendo experimentadas antes e tornar a música mais mutável, as ideologias e gêneros se misturam.  Espero que tenham gostado desta série, espero que usem os comentários para adicionar informações, opiniões e pareceres. Comentem!!!

Obs: Diferentemente dos outros posts da série, este post foi feito a quatro mãos por bigmontz e jpperes.

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Em 1997 o The Verve já era uma banda rodada e com bons álbuns lançados, porém ainda não havia emplacado um grande sucesso no mainstream. Além disso, a banda convivia com problemas internos, até havia se separado e voltado neste neste período, devido a problemas de relacionamento entre Richard Ashcroft e outros membros da banda, principalmente Nick McCabe. Entretanto em setembro daquele ando tudo mudou, a banda lança “Urban Hymns” e, finalmente, alcança sucesso no mainstream. Vamos à alguns a cenário do momento em que foi lançado este álbum.

• Oasis lança o “Be Here Now” que gera um sucesso de publico em primeiro momento, mas o álbum sucumbiu a críticas e o BritPop parecia estar acabado;
• O Blur estava alcançando sucesso nos EUA com “Song 2″ e cia;
• O Radiohead tinha acabado de lançar o seu grande álbum até então, “OK Computer”;
• O No Doubt estava nas paradas com “Don’t Speak” e “Mmm Bop” dos Hanson também fazia muito sucesso;
• As Spice Girls eram sucesso retumbante no mundo todo, o mundo estava caminhando para um era um tanto pop.
• No entanto, o Ocean Color Scene e o Supergrass haviam lançado bons álbuns;
• O The Verve vinha do difícil “A Storm in Heaven”, o mais fácil “A Nothern Soul” e de problemas internos.

Em meio ao ápice e o inicio do fim do que ficou conhecido como BritPop e as boybands começando a tomar cada vez mais espaço, o “Urban Hymns” é o álbum que lança o The Verve no que ficou conhecido como BritPop. Porém, é evidente que o BritPop não é um estilo de música e sim um momento que ocorreu na música pop britânica, entretanto o The Verve até então não se encaixava embaixo desta rótulo por um simples motivo: sua música não era pop. Em parte esta aproximação com o movimento vigente no Reino Unido ocorreu em seu álbum anterior com as músicas “History” e “On Your Own”, porém isso não era suficiente para classificar a banda, mas o terceiro álbum da banda foi além.

O álbum começa com seu maior clássico, uma música que todo mundo conhece, aquela que faz muitos pensarem que o The Verve é uma banda de um álbum só, aquela que muita gente que conhece acha que é do Oasis, aquela do clipe em que o carinha sai andando em linha reta trombando em todo mundo, aquela que virou símbolo do BritPop, sim…aquela. “Bittersweet Symphony” abre o álbum de maneira impecável com sua introdução com orquestra, introdução esta que gerou problemas da banda com Jagger e Richards que requisitaram a composição da música por conta do uso de sample de “The Last Time” do Stones e conseguiram. Ashcroft comentou sobre o incidente: “Esta é a melhor música composta por Jagger e Richards nos últimos 20 anos”. Ser composta por Ashcroft ou pela dupla do Stones é o de menos, a verdade é que esta é uma das melhores músicas dos 90′s e até hoje é usada em campanhas publicitarias e afins.

A balada “Sonnet” entra na seqüência com sua espiritualidade e com uma formação que combina o violão e violinos à guitarra de Nick McCabe, este inicio mostra uma banda bem diferente da que gravou seus primeiro álbum, porém isto muda um pouco de figura em “The Rolling People”, esta música é um rock quase “ledzepeliano” de 7 minutos com guitarras traçando em todas as direções, um vocal gritado, psicodelia e dinamismo, uma quebra no clima de baladas que da uma boa dinâmica o álbum. Na sequência a bela “The Drugs Don’t Work” que tem como tema a morte do pai de Richard Ashcroft, uma das passagens mais bacanas da música é parte do refrão quando é cantado “Now the drugs don’t work/They just make you worse” em referência aos medicamentos que o pai de Richard tomava para prolongar seu tempo de vida.

Em mais uma quebra no clima “baladeiro” do álbum, “Catching The Butterfly” é um rock no estilo de “The Rolling People”, porém um pouco menos agressivo e lembrando mais o The Verve de outras empreitadas. Esta “volta às origens” é bem mais evidente em “Neon Widerness”, música esta que caberia em qualquer dos dois primeiros álbuns da banda devido ao abuso de efeitos criando um atmosfera de ruídos onde o vocal passeia em versos soltos e hipnóticos, quase falados. Na sequência, “Space And Time”, uma balada rock com mais guitarras que as anteriores do álbum, e “Weeping Willow”, um pedido de ajuda em forma de música.

A nona faixa é “Luck Man”, talvez a segunda música mais conhecida da banda, falando sobre as contradições da vida, as sua transições, altos e baixos, esta música entrou na lista de música que Bono Vox (vocalista do U2) gostaria de ter escrito. O álbum segue com a balada “One Day” e a eletrônica e reflexiva “This Time” falando sobre a vida. Os violinos e o vocal dos versos lentos de “Velvet Morning” junto a sua aceleração no refrão dão uma dinâmica à esta música que quase resume do álbum em sua estrutura. O álbum termina com a explosão “Come On” e a participação de Liam Gallagher gritando “Fuck You!” na parte de final da música.

O “Urban Hymns” pode não ter sido revolucionário como “Ok Computer”, abridor de espaços como “Definitely Maybe”, “Nevermind” e “Dookie”, porém é um álbum que marcou o fim de uma era, foi o álbum que decretou o fim do BritPop por ter sido o último álbum que pode ser considerado daquele movimento que fez grande sucesso, após isso o que se viu foram as bandas que faziam parte daquele momento da música britânica saírem de cena dando lugar a bandas novas, bandas estas que foram influências por aquelas que fizeram história nos anos 90. Evidente que muitas da bandas do dito BritPop ainda estão em atividade, porém aquele momento acabou e, provavelmente, “Urban Hymns”, por mais contraditório que seja, decretou o fim.

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No verão europeu de 1997 o Radiohead lança o álbum que muda os rumos da música, vindo do bem sucedido “The Bends” a banda inglesa se isolou e produziu por conta própria um álbum que revoluciona com prazer a se ouvir,  pois não se trata de experimentalismos baratos que não se aplicam em profusão em massa e sim de música pop de alta qualidade que faz quem ouve parar pra refletir. Para entender o momento em que foi lançado o “OK Computer” vamos à alguns acontecimentos.

• Após o “Be Here Now” o Oasis começa desgastar sua imagem junto ao público e crítica;
• O Blur obtém grande sucesso nos EUA com “Song 2″;
• O Supergrass lança seu segundo álbum, “In It for the Money”, e consegue boa recepção de público e crítica;
• O The Verve que já havia se aproximado do BritPop em seu segundo álbum, “A Northern Soul”, com músicas como “History” prepara o “Urban Hymns”, o último grande álbum do BritPop.
• O Ocean Color Scene prepara o seu terceiro álbum, “Marchin Already”;
• As boybands dominam as paradas pops e as Spice Girls são a força britânica neste “movimento”;
• O combalido grunge ainda sobrevive com o Pearl Jam e o Silverchair, além do Foo Fighters.

O “OK Computer” aparece num momento de transição no rock mundial com algumas bandas grandes dando seus últimos suspiros e poucas novidades aparecendo. Este álbum caiu como uma luva no cenário desenhado (considero isso uma virtude dos grandes álbuns, eles geralmente se encaixam de forma perfeita as necessidades do momento). O álbum foi unanimamente bem recebido pela crítica, foi consenso entre os críticos que o terceiro álbum do Radiohead era um álbum especial, que era um marco na história da música e, certamente, eles estavam certos.

O álbum começa com as batidas eletrônicas de “Airbag”, sua linha de baixo que parece falhar durante a música, esta canção fala sobre o perigo de viajar de automóveis e foi inspirada no em artigo sobre o uso de airbags. Na sequência vem “Paranoid Android”, música dividida em partes como as músicas que à inspiraram (“Happiness is a Warm Gun” do The Beatles e “Bohemian Rhapsody” do Queen), com uma atuação vocal perfeita de Tom Yorke, uma dinâmica musical muito interessante e guitarras usadas de forma não convencional.

Numa referência clara a “Subterranean Homesick Blues” de Bob Dylan e com teclados criando um clima de filmes de ficção científica, “Subterranean Homesick Alien” é uma narrativa que conta o mundo visto por uma pessoa abduzida por alienígenas. As influências cinematográficas continuam em “Exit Music (For A Film)”, a letras desta música foi inspirada na adaptação feita para o cinema de “Romeo e Julieta” de 1968, com sua linha de baixo em destaque e todo o ambiente sonoro criado pelos efeitos que rodeiam a música.

A quinta música é “Let Down” com sua guitarra arpegeada, falando sobre acasalamento de insetos e relacionando isto com o sentimento de transitar sem rumo. Inicialmente como uma piada interna usada quando alguém fazia algo errado, “the karma police” foi externalizarada em “Karma Police” com uma bela introdução, citação de “Sexy Sadie” do The Beatles e apontamento de casos em que se aplica a expressão. Descrita por Yorke como um checklist de slogans dos anos 90, “Fitter Happier” se trata de uma colagem feita gravando o som da leitura deste checklist feita pelo programa Macintosh SimpleText.

Após verificar o Checklist as distorção de “Electioneering” trás um pouco de rock como em “Pablo Honey” ao “OK Computer”, um pouco de convencionalismo ao não convencional. Os “mostros do armário” e serial killers fazem parte temática de “Climbing Up The Walls”, a música é ambientada com sons parecidos com os emitidos por insetos e uma bateria metalizada. Numa tentativa de recriar o ambiente de “What a Wonderful World” de Louis Armstrong, “No Surprises” é cheia de detalhes sutis, a música fala sobre uma vida vazia e em desacordo com a ordem social e política vigente.

“Lucky”, que tem como tema a história de um homem que sobrevive a um acidente de avião e se torna um super-herói, foi lançada inicialmente na coletânea “The Help Album” da organização “War Child” e se encaixou perfeitamente no “OK Computer”. Contrapondo toda a correria e barulho que circulam a vida e o álbum, “The Tourist” acabada sendo o final perfeito e reflexivo do álbum, a música é levada num andamento lento, cheio de períodos de silêncio e a mensagem clara, conclusiva e definitiva do álbum: “Hey man, slow down! Idiot, slow down!”

“OK Computer” é um álbum que continua atual até hoje, os problemas que haviam em 1997 parecem não ter sido resolvidos e fotografia de época tirada pelo Radiohead continua atual, o álbum te leva a pensar sobre a correria que é viver em grandes cidades com muito ruído, pessoas e poluição; sobre a falta de representatividade junto a população de políticos eleitos democraticamente; sobre a falta de perspectiva de um futuro um pouco mais digno. O Radiohead se firmou, se libertou de “The Bends” e “Pablo Honey” em “OK Computer” e hoje é livre para fazer o tipo de música que quiser. As influências deste álbum estão dispersas por todos os cantos, nos detalhes, nos ruídos, no nível de produção.

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