Lançado no dia 1º de abril de 2003, o quarto álbum do Placebo, “Sleeping With Ghosts”, trás uma banda madura mergulhando nas experimentações feitas em seu álbum anterior, “Black Market Music”. O álbum foi lançado em um momento de transição do rock mundial, onde o indie começava a despontar como corrente dominante e a internet começa a mudar o cenário mundial promovendo o acesso mais direto entre bandas e seu público alvo.

Vamos à alguns fatos interessantes ocorridos às vésperas deste lançamento:

• Em março de 2002 o Silverchair lança o diferente “Diorama”;
• O primeiro álbum do Maroon 5 foi lançado no final de junho de 2002, após isso o Oasis laçara o “Heathen Chemistry” e o RHCP lançara o “By The Way” no mês seguinte;
• O Coldplay lançou o excelente “A Rush of The Blood to the Head” em 2002 e se firmou no cenário como uma das melhores bandas de então;
• Bandas como The Coral, The Libertines, The Thrills, Interpol e The Vines lançaram seus primeiro álbuns em 2002;
• O The Strokes já estava preparando seu segundo álbum para 2003 e Yeah Yeah Yeahs estava para lançar seu primeiro álbum.

Neste cenário foi lançado o 4º álbum do Placebo, com muitas músicas baseadas em relacionamentos e que segundo Molko seriam para exorcizar fantasmas do passado. O álbum começa dando uma idéia errada ao ouvinte do que lhe espera, a instrumental “Bulletproof Cupid“ com todo seu barulho dão a impressão de que vem mais disso por todo o álbum, mas, logo após, as batidas e efeitos eletrônicos de “English Summer Rain” contradizem o ouvido na primeira faixa e revela bem mais do que vem pela frente no álbum.

Baseada numa história que diz que James Dean seria gay e que tinha o fetiche de ser queimado por pontas de cigarro, “This Picture” mostra uma visão desta história recheada de dicas, como no trecho “I hold an image of the ashtray girl/As the cigarette burns on my chest” que mostra bem a figura de qual se trata a música. Na seqüência, “Sleeping With Ghosts” com sua guitarra lentas falando sobre como amizades e relacionamentos verdadeiro nunca morrem e resistem a tudo.

A rápida e energética “The Bitter End” fala sobre um relacionamento prestes a seu fim e o caos que se segue até seu fim, o arranjo com a bateria marcada e as guitarras zunindo rapidamente ao fundo deixam ainda mais caótico o momento. Seguindo como se fosse um breque e com uma excelente linha de baixo, “Something Rotten” contribui para dar uma boa dinâmica ao álbum e mostra um arranjo um tanto experimental no uso de elementos eletrônicos junto com guitarras esporádicas.

Como sétima faixa a barulhenta “Pasticine“, falando sobre mentiras e implorando pela verdade, é seguida de “Special Needs“. Esta seqüência mostra mais dos fantasmas dos passado que são exorcizados durante o álbum, a mentira e luta por poder são retratadas de forma clara. Além disso, a batida eletrônica na balada “Special Needs” junto com sua melodia e letra a transformam no grande ponto alto do álbum, uma das melhores da banda.

O sessão de exorcismo continua com a balada “I’ll Be Yours” e todo o peso de “Second Sight” batendo antes de chegar a “Protect Me From What I Want“, música que conta com arranjo e acabamento muito bem feitos, porém a versão em francês dela, “Protège-Moi”, ficou mais interessante que ela com a combinação do refrão em inglês e a frase titulo da versão em francês sendo cantada ao fundo. Como últimas duas músicas, o clima pesado de último adeus de “Centrefolds” e as batidas pulsantes de “Running Up That” fecham o álbum.

Provavelmente Brian Molko conseguiu exorcizar os seus fantasmas nesta álbum e, além disso, deve ter ajudado muitas pessoas a exorcizar os seus. Porém não é só de exorcismo que vive o álbum, a qualidade dos arranjos, melodias, vocais e acabamentos das músicas deste álbum são excelentes, as seqüências fluem e o álbum funciona muito bem como todo. O timbre de guitarra meio metalizado sobre as batidas eletrônicas continuam atuais e modernas até hoje, não foram vencidas pelo tempo. De fato, é um grande álbum e, como todo grande álbum, produzirá “filhotes” (se ainda não produziu).

Referências:

http://en.wikipedia.org/wiki/Sleeping_with_Ghosts

Último post da série sobre os anos 90, desta vez faremos um resumo da década em 10 músicas que merecem destaque por motivos bem variados. Alguns critérios foram usados para confecção desta lista, os critérios foram:

• Nenhuma músicas dos álbuns que ganharam posts nesta série foram consideradas;
• Nenhuma banda colocaria mais de uma música na lista;
• A lista conterá uma música por ano;
• Os fatores considerados na hora de escolher uma música em detrimento das outras foram qualidade musical, destaque que o single alcançou, representatividade, etc;
• Nem sempre todos os critérios da lista anterior se aplica a todas as músicas.

Dito isto, vamos a lista em ordem de reprodução e suas justificativas.

1. This Is Music – The Verve (1995):
   Porque é uma música que resume bem o que é música, e tudo o que ela pode fazer por ti. Por mais que não tenha sido a mais conhecida ou aclamada da época, é quase um ode a musica para quem a escuta. Além de dar nome ao blog.
2. A Design for Life – Manic Street Preachers (1996):
   Entre polêmicas, desaparecimento de integrante e ideais políticos/econômicos, o Manic Street Preachers se tornou uma banda mítica e suas músicas ganharam uma aura especial. “A Design for Life” é uma delas.
3. Nothing Compares 2 U – Sinéad O’Connor (1990):
   Porque talvez seja a melhor música de fossa da história, e virou clássica, impossível não chorar ao ouvi-la depois de um pé na bunda.
4. Scar Tissue – Red Hot Chilli Peppers (1999):
   Depois do contestado One Hot Minute, os peppers voltam a ativa, com Frusciante de volta a guitarra e faz o fantástico Californication, essa música virou hit e é impossível não se sentir em uma praia ao ouvi-la, ainda mais se você vive em uma cidade praiana.
5. Losing My Religion – R.E.M. (1991):
   O R.E.M. só precisou de um bandolim para fazer um dos maiores clássicos da história e entrar definitivamente para o hall da fama da música, uma bela letra de amor sobre alguém que está perdendo a humanidade por querer demais uma pessoa.
6. Mr. Jones – Counting Crows (1993):
   Sha-lala-lalala-la, quem nunca cantarolou Mr. Jones que atire a primeira pedra, contra a própria cabeça, pois é sem dúvidas uma das músicas que chegou mais perto da perfeição pop no rock. E quem não tem um momento nostálgico com ela?
7. Everlong – Foo Fighters (1997):
   O ex-baterista de uma das maiores bandas da década monta uma banda, faz uns clipes engraçados e ninguém mais lembra de que banda ele foi. Foi com Everlong que o Foo Fighters começou a conquistar sua independência.
8. Say It Ain’t So – Weezer (1994):
   Os nerds mais queridos do rock mundial não poderia faltar aqui, nada tinha mais o sangue adolescente que Weezer nos anos 90.
9. Song 2 – Blur (1998):
   WOOOOOOOOOOO-HOOOOOOOOOOOOOOOOOOOOO! Todo mundo gosta desse backin vocal, e lembra o saudoso Fifa 98 e tem vontade de se jogar na parede, pular ou fazer alguma estripolia.
10. One – U2 (1992):
    Clássico instantâneo do  U2, música que até hoje a banda procura a refazer em outras, mas até hoje não conseguiu, vai ver que é porque ela é unica.

A década de 90 foi uma década bem produtiva para a música e por muitos isto não é tão reconhecido, o grunge, o britpop, o pop punk, etc fizeram esta década valer a pena. Esta década viu:

• A revolução do underground do grunge;
• O U2 se consolidar como um grande banda;
• O BritPop dominar as paradas britânicas e um dos maiores shows da história, Oasis no Knebworth Park em 1996;
• Os filhos do grunge e do britpop brotarem, Silverchair e Stereophonics não me deixam mentir;
• O New Metal aparecer;
• A música eletrônica de The Chemichal Brothers e Fatboy Slim;
• O Radiohead fazendo história;
• O Hip Hop se mostrando como tendência de música pop dominante;
• As boybands atingirem o máximo de popularidade que eles poderiam alcançar;
• As ultimas grandes bandas dos tempos pré internet.

A década de 90 foi importante para consolidar coisas que já vinha sendo experimentadas antes e tornar a música mais mutável, as ideologias e gêneros se misturam.  Espero que tenham gostado desta série, espero que usem os comentários para adicionar informações, opiniões e pareceres. Comentem!!!

Obs: Diferentemente dos outros posts da série, este post foi feito a quatro mãos por bigmontz e jpperes.

Outros posts da série:

#0: Antecedentes + The Stone Roses
#1: Nevermind
#2: Definitely Maybe
#3: Dookie
#4: OK Computer
#5: Urban Hymns

Em 1997 o The Verve já era uma banda rodada e com bons álbuns lançados, porém ainda não havia emplacado um grande sucesso no mainstream. Além disso, a banda convivia com problemas internos, até havia se separado e voltado neste neste período, devido a problemas de relacionamento entre Richard Ashcroft e outros membros da banda, principalmente Nick McCabe. Entretanto em setembro daquele ando tudo mudou, a banda lança “Urban Hymns” e, finalmente, alcança sucesso no mainstream. Vamos à alguns a cenário do momento em que foi lançado este álbum.

• Oasis lança o “Be Here Now” que gera um sucesso de publico em primeiro momento, mas o álbum sucumbiu a críticas e o BritPop parecia estar acabado;
• O Blur estava alcançando sucesso nos EUA com “Song 2″ e cia;
• O Radiohead tinha acabado de lançar o seu grande álbum até então, “OK Computer”;
• O No Doubt estava nas paradas com “Don’t Speak” e “Mmm Bop” dos Hanson também fazia muito sucesso;
• As Spice Girls eram sucesso retumbante no mundo todo, o mundo estava caminhando para um era um tanto pop.
• No entanto, o Ocean Color Scene e o Supergrass haviam lançado bons álbuns;
• O The Verve vinha do difícil “A Storm in Heaven”, o mais fácil “A Nothern Soul” e de problemas internos.

Em meio ao ápice e o inicio do fim do que ficou conhecido como BritPop e as boybands começando a tomar cada vez mais espaço, o “Urban Hymns” é o álbum que lança o The Verve no que ficou conhecido como BritPop. Porém, é evidente que o BritPop não é um estilo de música e sim um momento que ocorreu na música pop britânica, entretanto o The Verve até então não se encaixava embaixo desta rótulo por um simples motivo: sua música não era pop. Em parte esta aproximação com o movimento vigente no Reino Unido ocorreu em seu álbum anterior com as músicas “History” e “On Your Own”, porém isso não era suficiente para classificar a banda, mas o terceiro álbum da banda foi além.

O álbum começa com seu maior clássico, uma música que todo mundo conhece, aquela que faz muitos pensarem que o The Verve é uma banda de um álbum só, aquela que muita gente que conhece acha que é do Oasis, aquela do clipe em que o carinha sai andando em linha reta trombando em todo mundo, aquela que virou símbolo do BritPop, sim…aquela. “Bittersweet Symphony” abre o álbum de maneira impecável com sua introdução com orquestra, introdução esta que gerou problemas da banda com Jagger e Richards que requisitaram a composição da música por conta do uso de sample de “The Last Time” do Stones e conseguiram. Ashcroft comentou sobre o incidente: “Esta é a melhor música composta por Jagger e Richards nos últimos 20 anos”. Ser composta por Ashcroft ou pela dupla do Stones é o de menos, a verdade é que esta é uma das melhores músicas dos 90′s e até hoje é usada em campanhas publicitarias e afins.

A balada “Sonnet” entra na seqüência com sua espiritualidade e com uma formação que combina o violão e violinos à guitarra de Nick McCabe, este inicio mostra uma banda bem diferente da que gravou seus primeiro álbum, porém isto muda um pouco de figura em “The Rolling People”, esta música é um rock quase “ledzepeliano” de 7 minutos com guitarras traçando em todas as direções, um vocal gritado, psicodelia e dinamismo, uma quebra no clima de baladas que da uma boa dinâmica o álbum. Na sequência a bela “The Drugs Don’t Work” que tem como tema a morte do pai de Richard Ashcroft, uma das passagens mais bacanas da música é parte do refrão quando é cantado “Now the drugs don’t work/They just make you worse” em referência aos medicamentos que o pai de Richard tomava para prolongar seu tempo de vida.

Em mais uma quebra no clima “baladeiro” do álbum, “Catching The Butterfly” é um rock no estilo de “The Rolling People”, porém um pouco menos agressivo e lembrando mais o The Verve de outras empreitadas. Esta “volta às origens” é bem mais evidente em “Neon Widerness”, música esta que caberia em qualquer dos dois primeiros álbuns da banda devido ao abuso de efeitos criando um atmosfera de ruídos onde o vocal passeia em versos soltos e hipnóticos, quase falados. Na sequência, “Space And Time”, uma balada rock com mais guitarras que as anteriores do álbum, e “Weeping Willow”, um pedido de ajuda em forma de música.

A nona faixa é “Luck Man”, talvez a segunda música mais conhecida da banda, falando sobre as contradições da vida, as sua transições, altos e baixos, esta música entrou na lista de música que Bono Vox (vocalista do U2) gostaria de ter escrito. O álbum segue com a balada “One Day” e a eletrônica e reflexiva “This Time” falando sobre a vida. Os violinos e o vocal dos versos lentos de “Velvet Morning” junto a sua aceleração no refrão dão uma dinâmica à esta música que quase resume do álbum em sua estrutura. O álbum termina com a explosão “Come On” e a participação de Liam Gallagher gritando “Fuck You!” na parte de final da música.

O “Urban Hymns” pode não ter sido revolucionário como “Ok Computer”, abridor de espaços como “Definitely Maybe”, “Nevermind” e “Dookie”, porém é um álbum que marcou o fim de uma era, foi o álbum que decretou o fim do BritPop por ter sido o último álbum que pode ser considerado daquele movimento que fez grande sucesso, após isso o que se viu foram as bandas que faziam parte daquele momento da música britânica saírem de cena dando lugar a bandas novas, bandas estas que foram influências por aquelas que fizeram história nos anos 90. Evidente que muitas da bandas do dito BritPop ainda estão em atividade, porém aquele momento acabou e, provavelmente, “Urban Hymns”, por mais contraditório que seja, decretou o fim.

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No verão europeu de 1997 o Radiohead lança o álbum que muda os rumos da música, vindo do bem sucedido “The Bends” a banda inglesa se isolou e produziu por conta própria um álbum que revoluciona com prazer a se ouvir,  pois não se trata de experimentalismos baratos que não se aplicam em profusão em massa e sim de música pop de alta qualidade que faz quem ouve parar pra refletir. Para entender o momento em que foi lançado o “OK Computer” vamos à alguns acontecimentos.

• Após o “Be Here Now” o Oasis começa desgastar sua imagem junto ao público e crítica;
• O Blur obtém grande sucesso nos EUA com “Song 2″;
• O Supergrass lança seu segundo álbum, “In It for the Money”, e consegue boa recepção de público e crítica;
• O The Verve que já havia se aproximado do BritPop em seu segundo álbum, “A Northern Soul”, com músicas como “History” prepara o “Urban Hymns”, o último grande álbum do BritPop.
• O Ocean Color Scene prepara o seu terceiro álbum, “Marchin Already”;
• As boybands dominam as paradas pops e as Spice Girls são a força britânica neste “movimento”;
• O combalido grunge ainda sobrevive com o Pearl Jam e o Silverchair, além do Foo Fighters.

O “OK Computer” aparece num momento de transição no rock mundial com algumas bandas grandes dando seus últimos suspiros e poucas novidades aparecendo. Este álbum caiu como uma luva no cenário desenhado (considero isso uma virtude dos grandes álbuns, eles geralmente se encaixam de forma perfeita as necessidades do momento). O álbum foi unanimamente bem recebido pela crítica, foi consenso entre os críticos que o terceiro álbum do Radiohead era um álbum especial, que era um marco na história da música e, certamente, eles estavam certos.

O álbum começa com as batidas eletrônicas de “Airbag”, sua linha de baixo que parece falhar durante a música, esta canção fala sobre o perigo de viajar de automóveis e foi inspirada no em artigo sobre o uso de airbags. Na sequência vem “Paranoid Android”, música dividida em partes como as músicas que à inspiraram (“Happiness is a Warm Gun” do The Beatles e “Bohemian Rhapsody” do Queen), com uma atuação vocal perfeita de Tom Yorke, uma dinâmica musical muito interessante e guitarras usadas de forma não convencional.

Numa referência clara a “Subterranean Homesick Blues” de Bob Dylan e com teclados criando um clima de filmes de ficção científica, “Subterranean Homesick Alien” é uma narrativa que conta o mundo visto por uma pessoa abduzida por alienígenas. As influências cinematográficas continuam em “Exit Music (For A Film)”, a letras desta música foi inspirada na adaptação feita para o cinema de “Romeo e Julieta” de 1968, com sua linha de baixo em destaque e todo o ambiente sonoro criado pelos efeitos que rodeiam a música.

A quinta música é “Let Down” com sua guitarra arpegeada, falando sobre acasalamento de insetos e relacionando isto com o sentimento de transitar sem rumo. Inicialmente como uma piada interna usada quando alguém fazia algo errado, “the karma police” foi externalizarada em “Karma Police” com uma bela introdução, citação de “Sexy Sadie” do The Beatles e apontamento de casos em que se aplica a expressão. Descrita por Yorke como um checklist de slogans dos anos 90, “Fitter Happier” se trata de uma colagem feita gravando o som da leitura deste checklist feita pelo programa Macintosh SimpleText.

Após verificar o Checklist as distorção de “Electioneering” trás um pouco de rock como em “Pablo Honey” ao “OK Computer”, um pouco de convencionalismo ao não convencional. Os “mostros do armário” e serial killers fazem parte temática de “Climbing Up The Walls”, a música é ambientada com sons parecidos com os emitidos por insetos e uma bateria metalizada. Numa tentativa de recriar o ambiente de “What a Wonderful World” de Louis Armstrong, “No Surprises” é cheia de detalhes sutis, a música fala sobre uma vida vazia e em desacordo com a ordem social e política vigente.

“Lucky”, que tem como tema a história de um homem que sobrevive a um acidente de avião e se torna um super-herói, foi lançada inicialmente na coletânea “The Help Album” da organização “War Child” e se encaixou perfeitamente no “OK Computer”. Contrapondo toda a correria e barulho que circulam a vida e o álbum, “The Tourist” acabada sendo o final perfeito e reflexivo do álbum, a música é levada num andamento lento, cheio de períodos de silêncio e a mensagem clara, conclusiva e definitiva do álbum: “Hey man, slow down! Idiot, slow down!”

“OK Computer” é um álbum que continua atual até hoje, os problemas que haviam em 1997 parecem não ter sido resolvidos e fotografia de época tirada pelo Radiohead continua atual, o álbum te leva a pensar sobre a correria que é viver em grandes cidades com muito ruído, pessoas e poluição; sobre a falta de representatividade junto a população de políticos eleitos democraticamente; sobre a falta de perspectiva de um futuro um pouco mais digno. O Radiohead se firmou, se libertou de “The Bends” e “Pablo Honey” em “OK Computer” e hoje é livre para fazer o tipo de música que quiser. As influências deste álbum estão dispersas por todos os cantos, nos detalhes, nos ruídos, no nível de produção.

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Inicio dos anos 90, enquanto o grunge tomava conta da cena rock nos EUA e britpop formava suas bases para se consagrar como gênero dominante na terra da rainha, o Green Day também começava sua jornada já tendo lançado dois álbuns bem aceitos na cena punk e em 1993 já preparava o 3º (“Dookie”). Vamos à alguns fatos relevantes que ajudam a entender o cenário:

• O Bad Religion assina por uma grande gravadora e re-lança seu sétimo álbum de estúdio, “Recipe for Hate” (1993), e em 1994 lança o “Stranger than Fiction” alcançando sucesso de mídia e vendas nos EUA;
• The Offspring assina por uma grande gravadora e prepara o lançamento de “Smash”, álbum que levou a banda ao topo com músicas como “Come out and play” e “Self Esteem”;
• O Blink-182 estava as vias de lançar seu primeiro álbum, “Cheshire Cat”;
• Na Inglaterra, Blur e Oasis estavam pra lançar álbuns de muito sucesso (“Parklife” e “Definitely Maybe”, respectivamente);
• O grunge estava próximo ao seu declínio com a morte de Kurt Cobain.

Enquanto a cena punk pop (ou pop punk) da Califórnia se fortalecia com sua bandas assinando por grandes gravadoras ou gravando primeiros álbuns e o grunge começa sua decadência, o Green Day lança o “Dookie” (1994), torna-se sensação no cenário musical com sua música descompromissada, causa controvérsias na comunidade punk que alegava que a banda havia se vendido e firma o punk pop como vertente midiática do punk.

“Dookie” trazia de volta a inconseqüência e o espírito de faça você mesmo do punk, mas sem causar tanta estranheza e sem ser tão transgressor quanto os punk originais. Esta combinação de letras que falavam diretamente com o público, simplicidade e energia foram as bases por onde foi construído este álbum e o próprio pop punk.

O álbum começa com a chateação de adolescente drogado de “Burnout”, seguida da raiva causada por alguém que aparentemente você não se importa de “Having a Blast” e raiva adolescente segue em “Chump”. Musicalmente não tem muito o que falar destas primeiras músicas, são pertardos punks disparados a queima roupa, mas nada que por si só fizesse a banda se tornar o que foi e é. Mas…

A quarta música é controversa “Longview” falando de masturbação, drogras e mais tédio. Os problemas da adolescência falado de forma direta e sem muito pudor fizeram desta música o primeiro hit da banda e fez a banda alcançar sucesso no mundo inteiro, afinal no mundo inteiro existem adolescentes que fumam e se masturbam. Entretanto, esta música também tem qualidades no que se diz a música propriamente dita, a linha de baixo e bateria é tão marcante que pode ser reconhecida facilmente.

Na seqüência vem “Welcome to Paradise” falando sobre o filho que sai de casa e vai viver na favela cercado de várias mazelas sociais, mas mesmo assim ele prefere isso à voltar pra casa. “Pulling Teeth”, falando sobre violência doméstica e talvez justificando o se sentir bem fora de casa da faixa anterior, é a sexta faixa do álbum.

“Do you have the time to listen to me whine?” assim começa “Basket Case” falando sobre a luta para controla a ansiedade (recorrendo até a métodos alternativos como procurar prostitutas) e segundo Billie Joe Armstrong ele pode ter tido problemas psicológicos como o transtorno do pânico (e ele julgou estar ficando maluco).

“She” entra como oitava faixa e foi composta baseada num poema que uma ex-noiva de Billie Joe teria escrito para ele, o destaque desta música é sua performance ao vivo que transforma ela num foguete mais certeiro que a versão do álbum. E a guerra do mundo adolescente do Green Day continua em “Sassafras Roots” desperdiçando o tempo da mocinha.

O relacionamento amoroso de “When I Come Around” não tem o mesmo peso e nem é um torpedo quanto outras músicas do álbum, mas mostra uma letra mais bem trabalhada e sem tanto ódio no coração, talvez seja algum sinal de maturidade no meio de tanta adolescência.

O álbum fecha com três torpedos de menos de dois minutos chamados “Coming Clean”, “Emenius Sleepus” e “In The End”, e “F.O.D” que começa com um violão e voz, mas se revela um petardo do meio pra frente.

O “Dookie” foi o álbum lançou o Green Day para o estrelado e que, junto com “Smash” do The Offspring, fizeram do punk pop a corrente punk dominante na cena americana servindo de trampolim para bandas como Sum 41, Blink-182, MxPx, Yellowcard e outras. Evidente que nem todos efeitos desta crescente do punk pop foram os esperados, pois, além das banda que citei anteirormente, o punk pop acabou por abrir espaço para o Emo quer você goste/queira ou não.

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1993, a década de 90 já estava chegando a sua metade enquanto uma banda de uns irmãos de Manchester já faziam suas apresentações em sua cidade natal, até que que ele foram convidados para tocar em um clube em Glasgow onde impressionaram Alan McGee (um dos donos da Creation Records, onde assinaram seu primeiro contrato) .

Neste entre os primeiro shows, o assinar de contrato e o lançamento do primeiro álbum muitas coisas importantes ocorreram no mundo da música, alguns fatos importantes são:

• O ainda Verve lançou o difícil e introspectivo “A Storm In Heaven” (1993);
• O Blur, que já havia lançado o “Leisure” (1991), conseguiu grande destaque com os lançamentos de “Modern Life Is Rubbish” (1993) e “Parklife” (1994);
• O Radiohead deu as caras com o “Pablo Honey” (1993);
• O grunge vivia seu ápice e sua queda com a morte de Kurt Cobain;
• O Suede lançou o seu primeiro álbum, o auto-intitulado “Suede” (1993);
• O que ficou conhecido como BritPop começava se formar.

Neste cenário de rebuliço na Inglaterra e do depressivo período grunge nos EUA foi lançado o “Definitely Maybe” (1994), o álbum de estréia que vendeu mais rapidamente na história até então, com todas as suas influências. O primeiro álbum do Oasis é um turbilhão de influências, T Rex, Slade, The Beatles, Sex Pistols, Stone Roses, The Smiths, etc são parte delas, e este turbilhão se seguiu angariando mais influências nos outros álbuns da banda.

O “Definitely Maybe”, assim como todo o BritPop, veio como um sopro de felicidade e esperança no cenário do rock. As letras não mais falavam sobre estar sozinho, sem esperança, sem nada, deprimido e entregue, pelo contrário, o mundo voltou a ser encarado de maneira positiva, buscando de alguma forma a solução, nem que seja matando os culpados, bando de bastardos.

O álbum começa já mostrando todas as suas armas com “Rock’n'Roll Star”, um rock direto, pra cima, que fala da dificuldade de se viver numa cidade grande com sua correria, mas que ao mesmo tempo era possível sonhar e, de fato, ser até um rock star. Na seqüencia vem o blues de “Shakemaker” que faz referências a comerciais de TV, sendo inclusive acusada de usar em um verso parte da propaganda da Coca-Cola.

O hino “Live Forever” é a terceira faixa e mostra a grande diferença na postura em relação ao grunges, enquanto as músicas grunges transpiram depressão, “Live Forever” transpira esperança, vontade de viver e mostra claramente algo que é um marca na som do Oasis, as músicas parecem ser feitas para serem cantadas por grandes públicos em estádios. Além da linda letra, musicalmente “Live Forever” é fantástica, desde da introdução até o solo que lembra muito os solos dos Slash (ex Guns’n'Roses).

“Hey you! Up in the sky/Learning to fly/Tell me how high/Do you think you`ll go/Before you start falling” era a energética “Up In The Sky” começando com seus dedos apontados para cara do inimigo, uma música que esbanja auto-confiança.

“Columbia” é talvez a canção mais enigmática da história do Oasis por sua letra que aparentemente não faz nenhum sentido e que na verdade pode ter muitos, como o de que fala sobre o dia em que eles arrumaram uma confusão em hotel em que eles estavam hospedados juntos com o Verve, o hotel Columbia. Sonoramente a confusão se seguia, quando se ouve “Columbia” se percebe um sinfonia de guitarras sobre uma batida quase constante e hipnótica de bateria.

Após a confusão vem “Supersonic”, música das mais conhecidas da banda, uma música que ao vivo cresce muito e faz o povo todo pular em sua introdução. O álbum segue com a energia e o solo piano de “Bring It On Down” e com o riff poderoso de “Cigarettes & Alcohol”, riff este que é muito parecido com o de “Get It On” do T.Rex. A nona faixa, “Digsy’s Dinner”, é aparentemente boba, fala sobre beber chá, comer lasanha e viver de forma não muito esperta, mas ao mesmo tempo ela é viciante e gruda nos ouvidos após algumas audições, no fundo, é uma boa canção pop.

“Slide Away” é uma das mais belas canções/histórias de amor já cantadas para todo o mundo ouvir, mas sem ser melosa, ela consegue falar de amor sem apelar para os clichês, não da pra dizer que é uma balada, “Slide Away” é rock forte que fala sobre relacionamento, se é que isso existe. Finalmente o álbum termina com a acústica e bonita “Married With Children” mostrando que mesmo nas diferenças o amor pode existir.

O “Definitely Maybe” juntamente com o “Parklife” do Blur foi responsável por boa parte do sucesso que outras banda inglesas conseguiram na década passada e, apesar de sonoramente não fazer parte do que se chamou britpop, pode ser considerado um dos mais importantes álbuns do britpop. Além disso, o Oasis através dele e de seus outros álbuns se tornou uma das bandas mais influentes do anos 90. notando sua presença no som de bandas como Coldplay, Kasabian,Kaiser Cheifs, Stereophonics e etc. Este é álbum já foi eleito algumas vezes o melhor da historia, o melhor da década e etc. Se ele é merecedor de tudo isso? Definitivamente…talvez.

Obs.: Fato curioso deste álbum e de outros do Oasis são as acusações de plágio, mas destas eu não irei falar, se vocês quiserem podem ver algumas neste link.

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Inicio dos anos 90 o rock americano sobrevivia a duras penas no mainstream e fervia no underground, os passos de uma revolução seguiam enquanto:

• Michael Bolton estava no topo com “How Am I Supposed To Live Without You”;
• A bomba relógio Sinead O’Connor cantava a excelente “Nothing Compares 2 U” para todo mundo ouvir;
• Madonna e a dança moderninha cheia de poses ditavam moda em “Vogue”;
• O MC Hammer vinha com todo gás em “U Can’t Touch This”;
• A boyband New Kids On The Block faziam as meninas suspirar com “Step by Step”;
• O Jon Bon Jovi fazia o mesmo com “Blaze Of Glory”;
• O Vanilla Ice era a farsa do momento;
• O The Black Crowes colocavam algumas músicas nas paradas;
• A ressaca dos 80′s existia com os Guns N’ Roses emplacando alguns sucessos como “Don’t Cry”;
• Além de outras bandas como Yes, Rush, Poison, Van Halen, Dire Straits, Metallica, etc, figurarem entre as mais ouvidas.

Até que no dia 24 de setembro de 1991 o Nirvana lança do seu segundo álbum e o mundo é virado de cabeça para baixo, o underground vai para o mainstream no que se pode considerar talvez uma das ultimas revoluções da história do rock, emergia o Grunge e suas camisas de flanelas.

Musicalmente o Nevermind e o Nivana não eram o que melhor definiam a estética do movimento grunge, eles tinham o pessimismo drogado , a melancolia e o clima sujo existiam, entretanto o Nevermind é mais como uma porrada punk bem na boca do estômago.

O álbum já começa com o maior clássico do Nirvana e dos um dos maiores 90′s, “Smells Like Teen Spirit”, um hino dos desajeitados, deprimidos e sem auto-estima ou um hino dos fracos e oprimidos que vivem a margem da sociedade, depende do ponto de vista. De fato, esta música funciona como grito de quem diz “Ei, olhem pra gente!!!”.

Na seqüência vem “In Bloom” com um grande trabalho de Dave Grohl nas baquetas botando uma batida pop no que não é pop e, com isso, deixando algo bem rico nesta mistura. A clássica “Come As You Are” aparece como terceira faixa dando uma tranqüilizada  nos ânimos enquanto Kurt segue sua depressão chamando um amigo e jurando que não tem uma arma, era bom ele não ter mesmo.

O álbum segue com o punk cheio de nitroglicerina de “Breed” enquanto “Lithium” e “Polly” apresentam boas melodias e letras bem trabalhadas usando de ironia e boas combinações de palavras de forma a ritmo às músicas. A gritaria punk volta ao ar em “Territorial Pissings” e seus gritos de desespero, “Drain You” mostra novamente a batida pop de Dave Grohl numa levada quase dançante que faz desta música das mais interessantes do álbum.

Seguem os roquezinhos gritados de “Lounge Act”, “Stay Away” e “On A Plain” juntamente com a acústica “Something In The Way” e a longa espera até o ultimo grito chamado “Endless Nameless” fechar o álbum.

Claramente o Nevermind não se destaca somente pelo seu lado musical, a importância deste álbum não se deve a sua qualidade músical, mas ao que ele significou para sua geração quebrando barreiras e tirando o underground do underground. Definitivamente as mudanças que se sucederam a partir de então foram importantíssimas para entender os motivos que fazem de Nevermind um dos álbuns mais influentes dos 90′s, bandas como Pearl Jam, Soundgarden, Stone Temple Pilots, Alice In Chains, etc saíram do submundo para o mundo, o grunge dominou o mundo durante alguns anos até a morte de Kurt Cobain, fato este que fez os grunges saírem um pouco da media, e gerou filhos fortes e saudáveis como Silverchair e Foo Fighters.

Outros posts da série:

#o: Antecedentes + The Stone Roses
#2: Definitely Maybe
#3: Dookie
#4: OK Computer
#5: Urban Hymns
#6: Final + Playlist

Antecedentes

Para entender os anos 90 é necessário voltar alguns anos, aos 80’s. Anos onde:

- Existia o The Jesus and Mary Chain que com seus show curtos, sonoridade suja ( antes do lançamento do “Automatic”) e tudo que cercava a banda;
- O U2 já era grande com seu rock politizado, mas estourando mesmo com um álbum que fala sobre sentimentos (o “The Joshua Tree”);

- Guns N’Roses era uma banda grande com seu vocalista magrelo de voz rasgada e um guitarrista talentoso, além de um som pesado que ao mesmo tempo era extremamente pop;
- O The Smiths com Morrissey e Johnny Marr, o som da banda era algo novo, dificilmente classificado em algum gênero existente, as letras de Morrissey eram de uma beleza, angustia e perfeição incrível, aliado as melodias e ao bom instrumental da banda;

- O The Cure, personificado em Robert Smith, com uma estética gótica as vezes dançante emplacou vários sucessos;
- A New Wave com The B-52’s e cia animavam as pistas de danças;
- Os Beastie Boys misturavam o rap com rock usando letras divertidas;
- Os já veteranos do Aerosmith repetiram a dose junto com Run D.M.C. em “Walk This Way”, clássico;

- O Bon Jovi fazia os corações da menininhas pulsar mais forte e angariava também fãs do sexo masculino com seu Rock Ballad;
- O Kiss continuava sendo o Kiss, só que sem máscara;
- Twisted Sister com cabelos bacanas faziam parte de um grupo de bandas que faziam o tal do Glam Metal;

- O New Order fez letras depressivas estourarem nas pistas, como é o caso de “Blue Monday”;
- Bandas como The Clash, The Who e The Jam acabaram no inicio dos 80’s.
- O The Stone Roses…destes eu falo depois.

No Brasil, nunca antes em sua história deste país tanta banda de rock chegou ao sucesso. Vejam os seguintes casos:

- A Blitz fez um sucesso imenso no inicio do anos 80 com seu rock teatral e criatividade;
- Os Paralamas do Sucesso estouram com seu rock reggae brasileiro;

- A Legião Urbana com seu punk melódico cheio de influências de The Smiths e Joy Division, além de boas letras, inicia um movimento quase messiânico em volta de si e de Renato Russo;

- O Barão Vermelho liderado por Cazuza atinge o topo;
- Os Titãs com seu plantel de compositores/cantores fizeram de tudo com personalidade;

- O Capital Inicial era uma boa banda;
- Lobão já aprontava das suas;
- O bom humor do Ultraje a Rigor com o “Nos Vamos Invadir Sua Praia” vira mania nacional, quase todas as músicas do álbum fizeram grande sucesso;

- O Lulu Santos era um hitmaker que não fazia parte do ‘movimento’;
- O Richie com sua “Menina Veneno” que viria ser sucesso nos anos 90 com Zezé Di Camargo e Luciano;

- Kid Abelha, Léo Jaime, Ira! e outros também faziam parte da festa do rock tupiniquim.

Todos estes fatos (e o cenário que eles formam) e mais um monte de outros que eu posso ter deixado batido (sem querer ou não) são essenciais para entender o que ocorreu nos anos 90. Entretanto, um álbum essencial para entender o que viria a seguir é o que será analisado mais profundamente na seqüência deste post.

The Stone Roses

Uma pergunta que deve estar levando muita gente a questionar a sanidade de quem edita/posta/faz a pauta deste blog: “Meu deus, com tanto álbum bom nos anos 80, qual o motivo que levou a escolha do ‘The Stone Roses’?”. Simples, é só olhar tudo que ocorreu na Inglaterra durante os anos 90 que você perceberá isso só olhar bandas como Oasis, Blur, The Charlatans, entre outras.

O álbum de estréia da banda The Stone Roses é considerado o marco de inicio de um movimento que ocorreu no Reino Unido durante os anos 90, o BritPop. O Britpop não se caracterizava por um estilo de som especifico, na verdade foi um movimento em que bandas (cada uma fazendo um som próprio e muito característico) recuperaram a musica pop britânica, mas esse assunto será abordado mais profundamente nos próximos posts. De qualquer forma, este álbum não foi situado inicialmente no Britpop (afinal, ninguém tinha como saber o que viria a seguir), era parte de um movimento de bandas de Manchester chamado Madchester, que contou com bandas como Happy Mondays e Inspiral Carpets (da qual Noel Gallagher foi roadie durante algum tempo).

O álbum teve alguns releases, dois em 1989, um para o Reino Unido e outro para o EUA (qual será usado para análise neste post pelo simples motivo de ser o  que temos a disposição no momento aqui), um re-release no Reino Unido em 1991 e duas séries especiais de aniversário (de 10 e de 20 anos de lançamento). O álbum foi bem recebido pela crítica e publico, foi considerado um dos melhores álbuns de todos os tempos por diversas publicações e chegou a ser top 20 nas paradas britânicas.

O álbum começa com a emblemática e curta letra de “I Wanna Be Adored” onde o titulo da música é repetido diversas vezes e os versos “I don’t have to sell my soul/He’s already in me/I don’t need to sell my soul/He’s already in me” juntamente com um sonoridade desenhada por levada de baixo/bateria constante e um guitarra que parece passear pela música. Na seqüência vem as animadas “She Bangs The Drums” e “Elephant Stone”, mostram que a influência das pistas de dança na sonoridade da banda, fato que levou a banda ao top 10 das paradas de singles com os singles de ambas as músicas.

“Waterfall” e “Don’t Stop” podem ser consideradas uma seqüência da outra, a primeira vem com um riff muito bom e uma letra que fala sobre decadência, o final uma solos hendrixianos tomam conta até o final e seqüência em “Don’t Stop” que na verdade é apenas uma nova letra sobre um remix da base de “Waterfall” e efeitos, muitos efeitos, mas o interessante é que o resultado ficou muito bom e da uma seqüencia sonora ao álbum que é até certo ponto surpreendente.

“Soak me to my skin/Will you drown me in your sea submission/Ends and I begin” assim começa “Bye Bye Badman” que mantém o clima do álbum e sua sonoridade, a curtíssima “Elizabeth My Dear” com  toques de música tradicional do Reino Unido e uma mensagem especial para Rainha Elizabeth faz a transição para “(Song for My) Sugar Spun Sister” seguir a crítica com um dos melhores vocais do álbum e uma das melodias mais marcantes. O álbum segue crescendo com a belíssima “Made Of Stone” que alcançou a 20º colocação das paradas no Reino Unido com guitarra cheia de efeitos e uma excelente combinação letra, arranjo e melodia.

“Shoot You Down”, tranquila e viajante, e “This The One”, com seu riff pesado misturado a uma melodia muito boa, mantém o nível do álbum até “I Am the Resurrection” e seus 8 minutos entre boa música, um refrão dos melhores (“I am the resurrection and I am the life/I couldn’t ever bring myself/To hate you as I’d like”) que junto com restante de sua letra soa como um grito da massa proletarizada e mais de 3 minutos instrumentais de improvisação com falsos fins no final da música. O álbum é fechado com a dançante, swingada e longa, afinal são quase 10 minutos de música, “Fools Gold”.

O álbum é formado por excelentes músicas as quais não entrei em mais detalhes para evitar me repetir muito dado que este é álbum muito coeso que apresenta variações que são percebidas ao ouvir, mas que dificilmente são fáceis de relatar com fidelidade digna. O fato é que este álbum é talvez o principal alicerce do que viria a seguir, bandas como Blur e Oasis deixam claras que foram influenciadas por The Stone Roses, além disso quem ver a postura de Liam Gallagher no palco e forma dele cantar são notadas muitas características vindas de Iam Brown (vocalista do The Stone Roses). The Stone Roses e o madchester foram os embriões do Britpop, forneceram as bases para os vôos mais altos que as bandas que viriam a seguir tiveram.

Outros posts da série:

#1: Nevermind
#2: Definitely Maybe
#3: Dookie
#4: OK Computer
#5: Urban Hymns
#6: Final + Playlist